Fine Anno - Anno Nuovo

Paolo Villaggio in "Fantozzi", di Luciano Salce - 1975

Star Wars - Episodio VIII Gli Ultimi Jedi

La parola chiave riguardo a “Star Wars”, fin dal 1977, è sempre stata Equilibrio. Cercato ma non sempre raggiunto nella Trilogia originale, assurdamente evitato nella seconda trilogia i cui postumi mi fanno ancora male, perseguito nel fin troppo filologico “Il Risveglio della Forza” che inaugura la terza trilogia, l'equilibrio è tutto sommato avvicinato in questo Episodio VIII “Gli Ultimi Jedi”.

Al di là delle vicende dei vari protagonisti, fuggiti su una remota isola, a spasso nella galassia, concentrati sul proprio ombelico o nel far fuori chiunque ne critichi l'abbigliamento ed i copricapi scelti, persi in sottotrame non del tutto convincenti o nel pronunciare battute non proprio brillanti, l'Equilibrio viene cercato e sotto più di un aspetto raggiunto, anche se forse solo temporaneamente.

Equilibrio fra tradizione e novità, su due distinti versanti neanche solo immaginato nel film direttamente precedente e completamente snobbato nel doloroso “La Minaccia Fantasma”. Equilibrio fra computer grafica, nella quale era purtroppo affogato il padre nobile George Lucas, ed efficaci modellini animati, già sapientemente utilizzati da J. J. Abrams, anche se in quest'ultimo ci sono un po' troppi irritanti pupazzetti, comunque buoni per il merchandising, se non divorati da Chewbecca.

Equilibrio fra fantasy e fantascienza, che in verità era già tratto distintivo degli episodi IV-V-VI e dato per raggiunto, anche oltrepassato da una serie di buoni film, ma messo seriamente in crisi dagli episodi I-II-III.

Equilibrio fra maturità e gioventù, fra canone lucasiano e nuove strade perseguibili ed auspicabili per innovare e reiterare la classicità del canone stesso, fra storie di una galassia lontana lontana ed un robusto war movie (ed in questo caso Rogue One aveva già fatto gran parte del lavoro).

Equilibrio fra affascinante opera d'autore e blockbuster che tutto prendono, fagocitano e sputano? A questo punto entra in gioco la Disney, che con un inconsapevole (?) spunto autobiografico mette in scena la vicenda di un'entità cattiva, potente e ben attrezzata, che vuole sconfiggere i meno dotati finanziariamente e i più puri ribelli che si oppongono al Nuovo Ordine, di tipo Hollywoodiano.

Ogni film è in fondo figlio del suo tempo, sia che si inserisca in un filone, una tendenza od uno stile, sia che con irruenza sparigli le carte per mostrare una diversa e distinta visione. Così è per “Gli Ultimi Jedi”, che con budget più alto ed una qualitativamente migliore predisposizione assomiglia in modo inquietante ad un qualsiasi “Avengers” o ad un “Thor qualcosa”. Buono per conquistare il pubblico più giovane, che al cinema spende ed è pronto ad acquistare gadget e pupazzi. In fondo il marchio deve essere sfruttato, per cui non c'è nulla di male nell'inserire gag e trovate puerili, battute che dovrebbero far ridere e scene ridicole in un film che deve necessariamente incassare decine e decine di milioni, anche se non è Iron Man o Mary Poppins, quest'ultima omaggiata dal generale/principessa Leila/Leia Organa/Carrie Fisher, ancorché in modo grottesco e qui sicuramente inconsapevole.

Ovviamente perplessità e rammarico di sorta valgono se si guarda all'episodio VIII nel contesto e nell'affetto per una saga, al momento l'unica vera saga degna di questa definizione. Se invece ci si accosta a “Gli Ultimi Jedi” come ad un film qualsiasi, slegato da un complesso narrativo e immaginifico, si può giustamente rimanerne affascinati. Fin dall'incipit, che ne segna il tenore e la spettacolarità, proseguendo per i molti combattimenti e scontri.

Un'esperienza cromatica che si rinnova in più scene, una di seguito all'altra, per una fotografia che valorizza in pieno contest e scenari, armi, armature e armati, prepara ad una ennesima resa dei conti che non sfigura e ne richiama altre precedenti senza farle rimpiangere. Due ore e mezza che scorrono, a volte a scatti, con qualche pausa che non convince, ma che in fondo non danno tregua allo spettatore, con una parte di nuovo che è vecchio ma nuovo per i più giovani, che se non sono smaliziati a volte si rivelano sprovveduti di fronte alle furbizie di un grande marchio che sa che bisogna uccidere i padri impadronendosi di quello che funziona. I padri vengono uccisi anche fisicamente in Star Wars, lo sappiamo, per cui la Disney si libera di quanto di lucasiano risulta ingombrante e si tiene stretto invece quanto produce fatturato sicuro. Il regista Rian Johnson recepisce gli ordini e li esegue con buone capacità e occhio attento a calibrare personalità e disciplina. Per cui si sopportano le mancanze logico-narrative e le evidenti cadute nel comico-grottesco. Queste sì che testimoniano una mancanza di equilibrio nel continuum ironico-drammatico, favorendo la spettacolarità che per fortuna non risulta fine a se stessa, ma godibile nel vedere almeno una certa maturazione in due, forse tre, personaggi tra i nuovi, dato che i “vecchi” ormai hanno dato o sono stati eliminati dalla sceneggiatura.

Altri caratteri risultano penalizzati, o di contro mal utilizzati, ma poiché sappiamo che fra due anni ci troveremo a parlare dell'episodio IX non si può mai dire cosa sia definitivo e cosa transitorio.

Durante la visione si perde una parte della propria infanzia-giovinezza, si sente venire meno quello slancio fanciullesco a cavallo fra anni 70 ed anni 80. Bisogna farci i conti, sono passati gli anni, per noi e non solo, il Cinema ora è così, in buona parte, pertanto si può scegliere se rimanere attaccati a quanto è legato agli anni giovanili o accettare quanto di comunque buono alberga nei film di questi anni. C'era l'ideologico, in seguito il post ideologico, ora il post-post ideologico che in fondo è esso stesso ideologico, solo che l'idea è diversa dalla nostra, per quanto possa importare ad una Major, per la quale pecunia non olet, anche se chi spende non è convinto, purché spenda.

Ipse Dixit # 224

Merry Christmas

Merry Christmas (I Don't Want To Fight Tonight)

The Ramones

Merry Christmas, I don't want to fight tonight with
Merry Christmas, I don't want to fight tonight
Merry Christmas, I don't want to fight tonight
Merry Christmas, I don't want to fight tonight with you

Where is Santa? At his sleigh?
Tell me why is it always this way?
Where is Rudolph? Where is Blitzen, baby?
Merry Christmas, merry merry merry Christmas

All the children are tucked in their beds
Sugar-plum fairies dancing in their heads
Snowball fighting, it's so exciting baby

I love you and you love me
And that's the way it's got to be
I loved you from the start
'Cause Christmas ain't the time for breaking each other's heart

Where is Santa? At his sleigh?
Tell me why is it always this way?
Where is Rudolph? Where is Blitzen, baby?
Merry Christmas, merry merry merry Christmas

All the children are tucked in their beds
Sugar-plum fairies dancing in their heads
Snowball fighting, it's so exciting baby

Yeah, yeah, yeah

I love you and you love me
And that's the way it's got to be
I loved you from the start
'Cause Christmas ain't the time for breaking each other's heart

Merry Christmas, I don't want to fight tonight with
Merry Christmas, I don't want to fight tonight with
Merry Christmas, I don't want to fight tonight with you

Canto di Natale di Topolino (1983)

È la viglia di Natale e in ogni famiglia fervono i preparativi. L'unico che sembra essere insensibile allo spirito del Natale è il vecchio Ebenezer Scrooge, un uomo ricchissimo e senza cuore. Tra i suoi dipendenti c'è Bob Cratchit, un uomo sempre allegro e gentile che, a causa del risibile stipendio che riceve, è costretto a tirare la cinghia anche a Natale. Ma questa notte Scrooge riceverà le visite degli Spiriti del Natale passato, presente e futuro e, quando si sveglierà, la sua vita non sarà la stessa.

“Canto di Natale di Topolino” è senza ombra di dubbio un classico delle festività natalizie, un appuntamento irrinunciabile per le famiglie che sappiano apprezzare e divertirsi con questo piccolo, perché un cortometraggio, ma imprescindibile capolavoro di casa Disney. Se opportunamente papà, mamme e nonni offriranno ai più piccoli, ma anche a qualche adolescente, la visione di questo film d'animazione datato 1983, compiranno un atto meritorio e rinnoveranno la magia non solo del Natale, ma della narrazione per immagini.

Procediamo con un minimo di ordine filologico: nel 1843 Charles Dickens dà alle stampe il primo dei suoi Christmas Books: si intitola A Christmas Carol: A Goblin Story of Some Bells that Rang an Old Year Out and a New Year In, ma passerà alla storia senza il lungo sottotitolo. La pubblicazione del Canto di Natale acquista un ruolo centrale all’interno della poetica e dell’arte di Dickens, che si concede l'occasione di riversare tutto il suo sentimento di disapprovazione verso la media e alta borghesia e l’aristocrazia britannica, tratteggiando un personaggio, Ebenezer Scrooge, che nella Londra di metà Ottocento prospera facendo leva sulle disparità sociali, tanto detestate dall'autore.

Per anni e malauguratamente ancora oggi, da parte di insegnanti ed educatori tanto sprovveduti quanto superficiali, Canto di Natale viene letto con faciloneria e proposto come un riepilogo dei dettami del buon cristiano. Prestando maggiore attenzione e facendo un favore a se stessi ed agli altri, in realtà ci si trova di fronte ad un acuto saggio politico sul conflitto insanabile tra le classi, un mirabile spaccato tra il sarcastico e il drammatico della società inglese, in cui il tono buffonesco de Il circolo Pickwick si lega a reminiscenze dal sapore gotico. 

 

Circa un secolo e mezzo dopo, nel 1983, Walt Disney è morto da quasi diciassette anni, e la Casa del Topo sta vivendo un momento di stanca dopo i fasti dei cinquant’anni precedenti. La Disney è combattuta fra il tentativo di allontanarsi dai cliché e dalle abitudini del pubblico, per innovarsi e sperimentare nuove forme e vie dell'animazione e dell'intrattenimento in generale, e l'esigenza di rivendicare e sottolineare le proprie radici.

Nasce da questa esigenza Canto di Natale di Topolino, cortometraggio di meno di mezz’ora che raggiunse le sale nell’autunno/inverno del 1983. Un titolo che in breve tempo è entrato a far parte dell’immaginario cinematografico legato al Natale.

Un capolavoro si è detto, ma non solo per l'eccellente tecnica di disegno ed animazione, per le musiche e il brillante omaggio all'arte di Dickens. La essenziale peculiarità che mi preme sottolineare è come durante la visione di Canto di Natale di Topolino ci si trovi di fronte ad un brillante adattamento di un romanzo: i personaggi in scena, a partire da Zio Paperone e Topolino, sono solo degli interpreti, che vestono i panni dei vari Scrooge, Bob Cratchit, Jacob Marley e via discorrendo. Una messa in scena del lavoro di Dickens che si dimostra anche decisamente coerente, senza cercare di edulcorare in alcun modo né la sgradevole cupidigia di Scrooge né il ritratto di un popolo povero, privo di protezione e lasciato alla mercé della bontà (o della crudeltà) del prossimo.

Paperon de’ Paperoni, fin dalla sua ideazione e realizzazione nel 1947, è sempre stato un parente prossimo di Ebenezer Scrooge, al punto da rubargli persino il nome nella versione statunitense a firma del genio di Carl Barks, ma anche tutti gli altri personaggi Disney vengono scelti per far parte di un cast “stellare”, recitando la loro parte con professionalità e grande coerenza drammaturgica.

Altro elemento degno di nota è come nella versione Disney si mantenga e venga rispettato lo schema dei cinque atti drammatici, proprio del romanzo di Dickens, divenendo uno dei punti di forza di Canto di Natale di Topolino. La storia si sviluppa in cinque passaggi chiave: il 24 dicembre, con la presentazione dei personaggi e la mano calcata sulla crudeltà priva di rimorsi di Scrooge; i viaggi nei “tre Natale”, quello del passato, del presente e del futuro; e, infine, il risveglio dal sogno di Scrooge e la sua definitiva presa di coscienza. Scanditi attraverso un utilizzo del tempo mirabile, in cui gag, melanconia e dramma si mescolano senza mai scadere nel patetismo o nella comicità irrazionale, questi cinque passaggi articolano una storia che racchiude al proprio interno anche molti dei punti fermi della poetica disneyana, a partire dall’evoluzione di un personaggio che scopre la propria umanità.

Canto di Natale di Topolino, all'interno degli anni 80 di casa Disney, fra vari tentativi di innovazione non sempre apprezzabili, è dominato da un’aura di classicità che lo rinforza, relegandolo in un posto fuori dal tempo e dallo spazio, dove sembra dialogare realmente con l’Inghilterra vittoriana.

Il film è anche una grande elegia del prodotto disneyano, e ospita al proprio interno i protagonisti più disparati, da Ezechiele Lupo ed i tre porcellini al Grillo Parlante, da Willie il gigante (quello del delizioso Topolino e il fagiolo magico del 1947) a Pietro Gambadilegno, passando poi per Nonna Papera, Ciccio, Orazio e Clarabella, Cip e Ciop e altri personaggi di lungometraggi precedenti. La Disney rivendica il proprio ruolo e la propria storia, e lo fa senza venir mai meno alle regole (non) scritte attorno alle quali è stata costruita.

La regia elegante e misurata di Burny Mattinson ci regala ancora oggi un cortometraggio che diventa “classico” già durante la prima visione, viaggio nelle pulsioni umane, ma anche dei paperi, buffo, dolente e persino pauroso. Tutto questo grazie all'animazione, la tecnica migliore, probabilmente, per restituire fino in fondo lo spirito del racconto dickensiano.

Si avvicina Natale

River

(Joni Mitchell) 

It's coming on Christmas
They're cutting down trees
They're putting up reindeer
And singing songs of joy and peace
Oh I wish I had a river I could skate away on

But it don't snow here
It stays pretty green
I'm going to make a lot of money
Then I'm going to quit this crazy scene
Oh I wish I had a river I could skate away on

I wish I had a river so long
I would teach my feet to fly
I wish I had a river I could skate away on
I made my baby cry

He tried hard to help me
You know, he put me at ease
And he loved me so naughty
Made me weak in the knees
Oh, I wish I had a river I could skate away on

I'm so hard to handle
I'm selfish and I'm sad
Now I've gone and lost the best baby
That I ever had
I wish I had a river I could skate away on

Oh, I wish I had a river so long
I would teach my feet to fly
I wish I had a river
I could skate away on
I made my baby say goodbye

It's coming on Christmas
They're cutting down trees
They're putting up reindeer
And singing songs of joy and peace
I wish I had a river I could skate away on

 

La Nuova Destra

Non ce l'abbiamo con i neri e gli africani,
solo non vogliamo che ci rubino il lavoro.
Non ce l'abbiamo con gli omosessuali,
solo non vogliamo che ci contaminino col loro morbo.
Questa è una Destra nuova che vuole battersi per il
rispetto della civiltà e della democrazia.
non ce l'abbiamo con gli zingari,
solo non vogliamo che mettano in pericolo
la nostra comunità.
Non ce l'abbiamo cogli extracomunitari
solo non vogliamo che occupino le nostre case.
Questa è una Destra nuova che vuole mettersi
dalla parte del cittadino e del lavoratore.
La pelle, la lingua, la razza non c'entra.
E se non capite questo siete degli ebrei!

Corrado Guzzanti, Il libro de Kipli

Ipse Dixit # 223

Citazioni Cinematografiche n.230

“Non ho mai visto tanto esplosivo tutto insieme. Se devo morire, morirò comodo.”

(Sergente William James/Jeremy Renner in “The Hurt Cocker”, di Kathryn Bigelow – 2008)

Prendila come viene

Massimo Troisi e Olimpia Di Maio in “Scusate il ritardo”, di Massimo Troisi (1983)

Le Storie #62 – Memoryville

Altro centro della Sergio Bonelli Editore nella collana “Le Storie”.

“Memoryville” è un bell'albo, con evidenti connotati noir e riconoscibilissimi debiti al thriller poliziesco nordamericano, a cui fa riferimento anche per il ritmo da serie tv di buona qualità. Nonostante il tema sottotraccia siano i ricordi, i rimpianti per il passato e gli omicidi a cui si fa riferimento si riferiscano a “cold cases”, il taglio è da noir contemporaneo e decisamente letterario che si mette in mostra soprattutto grazie alle tavole di un minuzioso Max Avogadro. 

La sceneggiatura del numero 62 della serie porta la firma del curatore della serie stessa. Gianmaria Contro efficacemente pesca con perizia e senza timore nell'ambito del noir con tratti gotici, creando una storia comunque originale e godibile, dove i vari rimandi ed omaggi letterari e cinetelevisivi si inseriscono in una trama ben orchestrata dove la nebbia fisica si incontra con quella metaforica di domande senza risposte, intrecci imprevedibili, misteri da svelare e depistaggi vari.

Molto probabilmente l'egregio lavoro dello sceneggiatore risulta ancora più apprezzabile grazie all'apporto grafico delle tavole di Max Avogrado. Il disegnatore milanese offre una grande prova stilistica ed espressiva, fornendo la controparte grafica della già citata opprimente nebbia e oscurità che avvolge i protagonisti e le vicende nelle quali sono coinvolti. I flashback sono realizzati con uno stile acquerellato con toni di grigio, che risalta il contrasto con le scene nel presente. Avogadro svolge un lavoro straordinario nella caratterizzazione dei personaggi, soprattutto nei primi piani, decisamente dettagliati e in diversi punti persino "fotografici", con una densa inchiostrazione e un tratteggio estremamente suggestivo ed in alcuni passaggi fortemente evocativo.

Questi ultimi elementi, uniti ad una scelta thriller-noir che non lesina scene dal forte impatto visivo, mostra il desiderio e la volontà della casa editrice e dei suoi artisti di mostrare un certo coraggio nel proporre soluzioni nuove ed originali, che incontrino il gusto del pubblico ed allo stesso tempo ne stimolino interesse e curiosità. Una scelta intelligente e lungimirante, con l'incontro fra stili di comunicazione e rappresentazione che generino prodotti validi, pur conservando la distinzione fra cinema/tv e fumetto, prodotti che possono e debbono incontrarsi e vicendevolmente influenzarsi, mantenendo quella sana ed auspicabile autonomia di registro e di resa visiva.

Illwood. West Virginia. 2015.

Come ogni scrittore, Harrold ha bisogno di una storia. È la sua ultima possibilità, prima di sprofondare, travolto dai debiti e dalla disperazione... La fortuna sembra venirgli incontro dal folto della foresta, dove si cela qualcosa di terribile e affascinante. È la traccia di un vecchio delitto, il primo passo di un'indagine che lo porterà indietro negli anni, lungo una pista che conduce... nel cuore dell'incubo più nero! (da sergiobonelli.it)

Ipse Dixit # 222

Citazioni Cinematografiche n.229

Padre Francisco: Una libertà che elimina la vita non è libertà. Ramon Sampedro: E una vita che elimina la libertà? Neppure è vita!

(Padre Francisco/José María Pou e Ramon Sampedro/Javier Bardem in "Mare Dentro", di Alejandro Amenabar - 2004)

Sono qui e sono lì e sono ovunque. Sono a Forlì

FASCISTI A FORLI'

Sono qui e sono lì e sono ovunque. Sono a Forlì e agiscono a volto scoperto. Bisogna riconoscerli, prendere atto che ci sono sempre stati. Ora si sentono forti e sono usciti dalle tane. Coscienza Civile e Democratica per combattere questi individui, elementi della peggior specie. 

Via i fascisti dalle nostre strade, dalle nostre scuole, dai nostri luoghi di lavoro, di studio, di impegno e di lotta! Viva la Repubblica Italiana! 

L'elemento ancora più inquietante è che diversi esponenti politici di rilievo nazionale li cercano, ci dialogano e intendono coinvolgerli in qualcosa che assomiglia molto ad un possibile cartello elettorale. Berlusconi lo fa da sempre, Salvini sta rompendo un tabù interno alla Lega e la Meloni non si è mai veramente allontanata dai camerati.

Le Storie #61 – Astromostri

Giunta al sesto anno di pubblicazioni, la collana "Le Storie" ha ben abituato i lettori con diversi albi di grande valore, a volte prevalentemente per i disegni, in alcune occasioni per la cura e l'abilità degli sceneggiatori che si sono succeduti nel presentare il loro lavoro. Spesso cura nelle tavole e ottimo soggetto e sceneggiatura si sono presentati insieme per la gioia degli occhi e lo stimolo delle menti. Il numero 61, "Astromostri", rientra a pieno titolo in questa casistica, grazie allo splendido lavoro di Maurizio Rosenzweig alle chine e disegni e di Antonio Serra per la scrittura.

"Astromostri" presenta dunque un felicissimo incontro tra il creatore di Nathan Never e un disegnatore straordinario come Maurizio Rosenzweig, negli ultimi mesi all'opera anche in casa Bonelli, all'interno del team creativo di Dampyr. Rosenzweig ha modo di sbizzarrirsi con splash pages singole e doppie, mai gratuite e sempre a dir poco spettacolari. Non solo i suoi "mostri" sono bellissimi e pieni di particolari, ma l'ambientazione è fascinosamente descritta, sospesa tra realtà ed allucinazione, resa in maniera egregia con diverse soluzioni e scelte autoriali. 

Serra è notoriamente innamorato della fantascienza e del Giappone e tale passione emerge e traspare da ogni tavola, ogni passaggio e da tutti i personaggi e vicende presentate. Non mi dilungo sulla trama ed i suoi snodi narrativi, efficace ed accattivante l'una quanto mai banali o gratuiti i secondi, nell'economia di una storia di meno di 100 tavole. L'autore sardo, forte di grande conoscenza ed esperienza, omaggia le sue passioni ed in particolare i film di mostri giapponesi anni 60, con una grande attenzione al contesto storico e sociale, che si incontra con il tentativo del protagonista di ritrovare il confine tra realtà e immaginazione, presentando così al lettore una delle peculiarità meglio riuscite dell'albo, quell'aspetto sognante un po' insolito per lo stesso Serra, non propriamente tipico di altre sue produzioni. 

Tokyo 1965. John è nato in America, ma - alla fine della Seconda Guerra Mondiale - ha scelto il Giappone come nuova patria. Lavora per il cinema e coltiva la sua passione per la fantascienza. Mostri, alieni, principesse marziane e dischi volanti... un mondo immaginario che, come scoprirà, può diventare reale da un momento all'altro! (da sergiobonelli.it)

Ipse Dixit # 221

Citazioni Cinematografiche n.228

Stanotte ho fatto un sogno assurdo... una ragazza viene trasformata in un cigno... solo l'amore può spezzare l'incantesimo... ma il principe si invaghisce della ragazza sbagliata e lei si uccide. 

(Nina Sayers/Natalie Portman in "Il Cigno Nero", di Darren Aronofsky - 2010)

Selma - La strada per la Libertà (2014)

Un film nel segno dell'America di Obama, da vedere negli anni dell'America di Trump.

Martin Luther King Jr. non aveva ancora avuto un'opera cinematografica a lui dedicata. Malcolm X era stato omaggiato da Spike Lee con il controverso e discusso film del 1992, mentre il pastore di Atlanta, autentica icona della non violenza ha in pratica dovuto attendere fino al 2014, quando, sull'onda e nel segno dell'America Obamiana, la regista Ava DuVernay ha diretto e proposto al pubblico il suo “Selma – La Strada per la Libertà”.

 

I fatti sono quelli legati alla nota marcia, quando nel 1965 un gruppo di coraggiosi manifestanti, guidati appunto da Martin Luther King Jr., per tre volte tentò di portare a termine una marcia pacifica in Alabama, da Selma a Montgomery (capitale dello Stato), con l'obiettivo di rendere veramente attivo il diritto umano al voto per i negri, come ancora allora venivano indicati. Infatti nonostante sulla carta il diritto al voto fosse garantito dalla legge, la realtà, specie negli Stati del sud dell'Unione, era ben diversa, come ci viene drammaticamente mostrato nel film. Gli scontri scioccanti e la trionfante marcia finale portarono infine il Presidente Lyndon B. Johnson a firmare, il 6 agosto di quell'anno, lo storico Voting Rights Act.

Scongiurato con intelligenza il rischio di un'opera meramente agiografica, “Selma – La Strada per la Libertà”, si fa vedere ed apprezzare, oltre che per la ricostruzione di un clima politico-sociale, della cronaca di quei giorni e degli avvenimenti in sé, anche per la scelta di presentare il dottor King come un uomo, con le sue debolezze, i suoi timori ed incertezze, alla pari con le sue straordinarie qualità di oratore, guida di un movimento e nel ruolo di pastore protestante.

Allo stesso tempo, con onestà storica e narrativa, il movimento da lui condotto non viene mostrato come monolitico e omogeneo, bensì ne vengono mostrate le diverse anime, i vari volti che insieme a King hanno reso possibile la conquista e l'affermarsi di diritti civili, ai nostri occhi basilari ed imprescindibili per una democrazia veramente degna di tale nome, ma negli Stati Uniti degli anni 60 ancora tutti da conquistare e difendere, specie per le minoranze come gli afroamericani, termine che noi, ora, utilizziamo. Un film forse non propriamente collettivo, comunque non un “one man show”, che forse anche per questo risulta poco coinvolgente a livello emotivo, con una recitazione composta e corretta che limita i vari bravi e apprezzabili attori e li sacrifica in nome di uno stile registico e compositivo che punta alla sobria ricostruzione ed alla celebrazione di un periodo, autocelebrandosi appunto in quanto creato e proposto quasi interamente da neri.

Diversi i momenti melodrammatici, così come varie sono le scene “opportunamente furbe”, che vanno incontro allo spettatore per arruffianarsene il consenso, ma la regista DuVernay qua e là dimostra di saperci fare, in particolare nella ricostruzione dei fatti legati, emblematicamente, al ponte che conduce a Selma, teatro dei pestaggi più duri perpetrati dalle forze dell'ordine a danno dei manifestanti, massacrati senza ritegno.

Mi permetto di esprimere un nota di disappunto per la scelta, verso la conclusione del film, di presentare efficaci e coinvolgenti scene di repertorio, poiché a quel punto, fatalmente, data la già citata scelta registica e di recitazione, la realtà surclassa la ricostruzione e l'opera perde qualche punto in materia puramente cinematografica.

Un film obamiano, che forse risulterà maggiormente godibile (utile?) negli anni dell'America di Donald Trump, del revanscismo e dell'oltranzismo razzista di una parte non secondaria dei suoi sostenitori ed elettori.

Neve Nera (Martin Hodara - 2017)

Intrigato e stimolato dalla presenza nel cast di Ricardo Darín, ammirato ed elogiato per la sua interpretazione in “Il Segreto dei suoi Occhi”, mi sono avvicinato alla visione di “Neve Nera”, per la regia di Martin Hodara.

Purtroppo ho dovuto prendere atto che l'attore argentino non è propriamente il protagonista del film, cedendo molto, forse troppo spazio ad altri due personaggi, che di fatto sono i veri personaggi centrali, quantomeno per il numero di inquadrature e battute a loro assegnate.

Per amor di sintesi e semplicità di seguito presento ciò che ritengo essere gli elementi positivi e quelli meno positivi, se non addirittura negativi, del film.

Positivi: quasi tutta la prima parte del film sembra scritta apposta per stimolare lo spettatore e coinvolgerlo in una vicenda non del tutto originale ma comunque intrigante, anche grazie ad una ottima e nitida fotografia che presenta il contesto naturale e socio-familiare con maestria e ammirabile efficacia; i flashback si alternano ordinatamente e con buona scansione, aiutando chi guarda a ricomporre il puzzle degli avvenimenti e a seguire il percorso,di vita ed emozionale, passato ed in evoluzione dei caratteri; i silenzi più dei dialoghi raccontano e coinvolgono.

Meno Positivi: la seconda parte del film sembra meno efficace, con una scrittura ed una sceneggiatura un po' troppo semplice, quasi scolastica, offrendo la sensazione che si sia voluto “non osare” e rimanere sul “sicuro”, quasi un rassicurante “già visto” pur con maestria tecnica (piano sequenza efficace, buon uso del campo controcampo); il personaggio femminile centrale risulta a suo modo invadente e petulante, esagerando la sua pur, a livello di sceneggiatura, indovinata funzione, ed il fatto che l'attrice che lo interpreta sia nettamente la peggiore del cast non aiuta; soluzioni narrative e risvolti psicologici/psicanalitici troppo semplicistici e mal posizionati.

Rimane il fatto che un film solo in parte di genere avrebbe potuto offrire di più e di meglio. Personalmente ritengo che sia stato poco e non completamente utilizzato il contributo del già citato Ricardo Darín, anche se è comunque un piacere rivederlo, sebbene sia anche vero che fare un film puntando sopratutto sulla qualità degli attori e una buona, anche ottima tecnica, spesso non basta.

Il nucleo da tragedia greca c'è e avrebbe potuto rendere possibile un grande film, con almeno tre belle scene che da sole meriterebbero la visione, la Natura contribuisce alla grande alla scenografia, con montagne innevate, foschie che hanno il fascino del misterioso, nuvole come funeste messaggere, tempeste di neve e quel senso di selvaggia solitudine che ha sempre una certa presa sul pubblico, ma l'intreccio noir alla fine risulta artificioso e si rimane solo parzialmente soddisfatti.

A ben vedere avrebbe potuto essere un film sul silenzio, sui silenzi, su bugie che si raccontano e ci si racconta per riuscire a vivere, poteva essere un dramma familiare con terzo elemento aggiunto, una fotografia di interni fisico-emotivi con il contributo degli spazi aperti, una sottile e drammatica indagine sul male, invece si rimane a qualche passo da tutto questo, privilegiando la forma (ancorché non completamente perfetta) rispetto alla sostanza. Ma lo si capisce solo a visione terminata, per cui tutto sommato vale la pena.

Segnati dalla tragica morte del fratello minore durante una battuta di caccia, Marcos (Leonardo Sbaraglia), Salvador (Ricardo Darín) e Sabrina (Dolores Fonzi) da anni hanno preso le distanze l’uno dall’altro. Il primo si è rifatto una vita in Europa e aspetta un bambino dalla moglie Laura (Laia Costa), il secondo vive in quasi totale isolamento nella casa di famiglia sperduta nelle fredde foreste della Patagonia, mentre Sabrina è rinchiusa in un ospedale psichiatrico a causa della shock subito. Le loro storie sono destinate a intrecciarsi di nuovo alla morte del padre, quando Marcos tornerà nella terra natia per affrontare il problema dell’eredità paterna.